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Las obras de Bernini, Borromini y Caravaggio 

Obras de Bernini en Roma

Gianlorenzo Bernini (Nápoles 1598 Roma 1680). Se trasladó a Roma con su padre, Peter, cuando aún era muy joven. Bernini es el representante del barroco en Roma.

•  El David  (1623). Galleria Borghese. Se cree que el rostro de David es su autorretrato. Gianlorenzo Bernini capta exactamente el preciso momento en que David está lanzando la piedra con una honda.
   
•  Apolo y Daphne  (1622-1624). Galería Borghese. Aquí Gianlorenzo Bernini representa a Apolo mientras persigue a Daphne que, para escapar de él se transforma en un árbol de laurel. Todo es muy elegante y armonioso.
   
•  Ba dalquino de la Basílica de San Pedro,  1624-1633, encargado por el Papa Urbano VIII Barberini. Se compone de 4 columnas trenzadas en bronce. En los 4 pilares que sostienen la cúpula, Bernini colocó las estatuas de Santa Verónica, San Longino, San Andrés y Santa Elena. En el balcón por encima de los nichos insertó pares de columnas trenzadas. Son las columnas originales que decoraban el altar de la iglesia mayor de la primitiva iglesia del siglo IV.
   
• Tumba del Papa Urbano VIII Barberini - Basílica de San Pedro 1642-1647, en mármol y bronce. Aquí Bernini se inspira en Miguel Ángel y en Guillermo della Porta. Las figuras alegóricas que están de pie, tanto en inclinación hacia el centro para que creen una fuerza hacia arriba. Un esqueleto con alas escribe en oro el nombre de Urbano VIII.
   
• El éxtasis de Santa Teresa, 1644-1651, Santa Maria della Vittoria, en la capilla Cornaro. Representa la visión de Santa Teresa mientras se ve el ángel que la atraviesa con una flecha. Tenga en cuenta la teatralidad de la escena, los rayos procedentes de la cúpula dan un sentido de lo divino, la escena es ligeramente elevada, la sensualidad de la santa parece terrenal y no celestial. Maravillosa es la escena lateral, donde se observa a la familia Cornaro, que asiste al prodigio.
   
• La fuente de los cuatro ríos, 1647-1651, Piazza Navona. Encargado por el Papa Innocenzo X Pamphilji para adornar la plaza en la que era la mansión de la familia. El escudo de armas de la familia Pamphilji es una paloma blanca con una rama de olivo. En el centro está un obelisco de la edad de Domiciano (I d.C.), rodeado de un acantilado natural con una cueva en el centro. En las rocas están sentados 4 estatuas gigantes que corresponden a 4 ríos, símbolo a su vez de los 4 continentes conocidos: el Danubio (Europa), el Nilo (África), el Ganges (Asia) y Río de la Plata (América).
   
• La fuente del Tritón, 1643, Roma, Piazza Barberini. La estatua de Tritón sentado en una enorme concha sostenida por 4 delfines, sosteniendo en su mano (cerca de la boca) una concha de la que lanza agua. En la parte inferior es el escudo de armas de la familia Barberini (3 abejas).
   
• La columnata de San Pedro, desde 1657 hasta 1665. Roma. La obra más importante de Bernini. La columnata es elíptica, con el fin de representar el abrazo de la iglesia en toda la cristiandad.
   
• La Cátedra de San Pedro, 1656-1666, Basílica de San Pedro. En mármol, estuco y bronce dorado. La silla es un asiento de madera. Bernini la reviste con un majestuoso trono en bronce y la coloca en el centro del sagrario, es sostenida por 4 enormes estatuas que representan a los cuatro doctores de la Iglesia (iglesia griega y latina) y alrededor de los ángeles. En el trono la luz entra de una ventana oval, con el Espíritu Santo en el centro, adornado con unos rayos de oro.
   
• La escalera real, 1662 - 1666, el Vaticano. La monumentalidad de la escala tiene un significado de la ascensión. Un maravilloso efecto de perspectiva está dado por la columnata jónica doble. La escala exalta la grandeza de la Iglesia Católica, ya que marca la entrada al Palacio del Vaticano.
   
• Sant'Andrea al Quirinale, 1658 - 1661, plano de forma elíptica. La forma geométrica del elipse surge de la búsqueda de la forma geométrica perfecta. La luz proviene de fuentes ocultas, como un escenario. El espacio se expande en los nichos radiales divididos por pilares y la bóveda.
   
• Estatua de Constantino 1654 - 1670, se encuentra en el "atrio de la basílica de San Pedro.
   
• La Beata Ludovica Albertoni 1671 - 1674, mármol y alabastro. En la iglesia de San Francesco y Ripa, barrio de Trastevere. La representación de la santa es ambigua, y sus espasmos en punto de muerte recuerdan la excitación erótica. Cómo en el Éxtasis de Santa Teresa (en la iglesia de Santa Maria della Vittoria), la estatua se caracteriza por una gran plasticidad de las formas y la suavidad de mármol.

Francesco Borromini

Francesco Borromini (1599-1667) luchó mucho para afirmar su talento como arquitecto. Él nació en el Lago de Lugano de hijo y nieto de artistas, absorbe la tradición de los hábiles constructores, maestros y albañiles tisinianos, arquitectos y escultores.

Al llegar a Roma en 1620, Francis estudió arquitectura clásica.

Del estilo antiguo le atrajeron las paredes curvilíneas y las superficies continuas ininterrumpidas de la Domus Aurea de la Villa Adriana en Tívoli. Obtuvo los mejores resultados al crear soluciones ingeniosas de líneas continuas curvas, cóncavas y convexas. Del arte bizantino estudió el uso de la luz para conseguir efectos sugestivos. Los elementos góticos fueron utilizados por él con una función decorativa inusual. Borromini también estudió la arquitectura de Brunelleschi y Miguel Ángel.

El efecto logrado, en simbiosis entre el interior y el exterior, se obtiene a través del uso de materiales pobres como el ladrillo, piedra travertina, estuco y yeso.

En la iglesia de Sant´Ivo alla Sapienza (1642 - 1660), Borromini da la impresión de ganar el peso de la gravedad a través de una dinámica de ascensión hacia el cielo, en un ritmo frenético, animado por la luz, creando un verdadero himno a la Sabiduría Divina.

Fue genial su invención al extraer un plano de la intersección de dos triángulos, lo que resulta en una metáfora del triángulo de la Trinidad y el hexágono de la Sabiduría Divina. Otra referencia es la capa de la abeja del escudo de armas del Papa Urbano VIII Barberini.

La linterna coronada por una cruz encima de la torre parece formar una columna de fuego, que, como el camino del conocimiento filosófico, se prepara para la conquista del conocimiento, que culminó precisamente con una corona de llamas que representa la Caridad (inseparable de la Sabiduría) representado por Sant´Ivo y encarnado por el Papa, el vicario de Cristo, escogido por el Espíritu Santo (Sabiduría Divina / Caridad).

La decoración de la hélice en el carenaje de la linterna, imita de hecho las piedras preciosas y las perlas de la tiara papal con tres coronas superpuestas, un símbolo de la triple autoridad papal, como padre de los reyes y monarcas, rector del Orbe y vicario de Cristo.

Incluso en la decoración interior de la cúpula de Sant´Ivo, Borromini elogiado a los pontífices mediante los elementos heráldicos de sus familias: Alessandro VII con el monte y la estrella de Chigi, Inocencio X con el emblema Pamphili la paloma con la rama de olivo.

Incluso en los mínimos detalles decorativos Borromini encierra el simbolismo cristiano, con especial referencia al martirio del Santo  Fortunato y Alessandro, los titulares de la iglesia, junto con Sant´Ivo: coronas y guirnaldas de laurel como símbolo de la inmortalidad, hojas de palma para el triunfo sobre la muerte, lirios para las almas puras y bendecidos. La difusión de la gracia divina y la sabiduría también es inherente a la colocación de los serafines (símbolos de la Caridad) en la parte superior de la cúpula y por encima de las ventanas de los querubines (símbolos de la Sabiduría).

Francesco Borromini es descrito por las fuentes siempre vestido de negro con peluca, con un amor desmedido por su trabajo, sin concesiones y en una actitud permanente de desafío. Borromini hereda por su madre una tendencia a la depresión. Este difícil carácter con el paso le trae problemas del tiempo con los clientes, muchas amarguras y decepciones. Muchas penas fueron causadas por cambios en muchos de sus proyectos o la imposibilidad de alcanzar acuerdos a su propia visión artística.

En la galería del Palazzo Spada, (1652 - 1655), Borromini llevo a cabo un escape bizarro de las columnas, deformando el punto de fuga (de sólo 862 cm), que dejaba entrar una secuencia rápida de luz, produciendo el efecto de las proporciones de la pequeña estatua en el parte inferior, en realidad no lo eran. Con el empeoramiento de su malestar, su descenso fue imparable, agravado por el aislamiento de los clientes y su personalidad cada vez más frágil.  Francesco se suicida en 1667. Pocas grandes figuras en la historia de la arquitectura se inspiran en las ideas para elaborar trabajos igualmente brillantes. Sin embargo el espíritu borrominiano, será universal al sobrevivir durante siglos después de su muerte: existe una relación indisolublemente ligada entre el desarrollo de helicoidal de Sant'Ivo con las cúpulas de Guarino Guarini en Turín, hasta el Museo Guggenheim de Wright en Nueva York, pasando por el proyecto del ruso Tatlin para la Tercera Internacional en 1919. Esto prueba de que Borromini sigue siendo un revolucionario.

Caravaggio

La Roma, donde Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio llega hacia el final de 1592 es una ciudad que recientemente había tomado la forma de capital europea gracias a las grandes intervenciones urbanas encargados por Sixto V, y ejecutado por su arquitecto de confianza  Domenico Fontana . Siguiendo la costumbre de la época, Caravaggio asistía a la comunidad lombarda que se reunía en torno a la cofradía de San Ambrosio al Corso junto con algunos artesanos, albañiles y arquitectos procedentes de Brescia y Bérgamo, que se había instalado en las cercanías de Palazzo Colonna. Gracias tal vez a los buenos contactos de su tío sacerdote, el joven Caravaggio encuentra hospitalidad en monseñor Pandolfo Pucci, maestro de la casa de la hermana del papa Sixto V, Camilla Peretti. Para el obispo Pucci Caravaggio pintó copias de cuadros de devocionales, a cambio de alojamiento y comida. Después de unos meses a Caravaggio lo acoge un tal Tarquinio, propietario de dos osterías en el barrio. Aquí comenzó a pintar cuadros "para vender", de tamaño medio fácil de vender, sujetos al  género religioso.

De la posada de Tarquinio, Caravaggio va al taller de un pintor siciliano llamado Lorenzo. Aquí Caravaggio se dedica a los retratos, aquí se evidencia su capacidad para pintar "al natural" por su necesidad de tener siempre un modelo para retratar. Caravaggio y luego asistió al taller del pintor sienés Gramatica, pintor retratista ya de un cierto renombre, donde pintó sus primeras composiciones a medias figuras. Pionero en el uso de los fuertes contrastes de luz y sombra, prosiguiendo en su carrera por el arte romano, Caravaggio se las arregla para entrar en el taller del Cavalier d'Arpino, quien fue uno de los artistas preferidos por el Papa Clemente VIII Aldobrandini. Cavalier d'Arpino domina la escena romana con Federico Zuccari y Pomarancio. Cuando Caravaggio entra en su taller, se quedará por ocho meses. El Cavalier d'Arpino acababa de terminar los frescos de la bóveda de la capilla Contarelli en San Luigi dei Francesi. En 1593 Caravaggio creara diseños y dibujos elaborados por Cavalier d'Arpino, en donde lo pone a "pintar flores y frutas". La colaboración con el Cavalier d'Arpino termina después de un misterioso accidente, Caravaggio es golpeado por una patada de un caballo que le hincha una pierna. Cuando salió del hospital Caravaggio nunca regresaría a aquel taller. Encuentra hospitalidad en el palacio de monseñor Fantin Petrignani en Campo Marzio, Caravaggio se dedica de nuevo a pintar cuadros "para vender". Entre las obras de este periodo es quizás el Niño con un cesto de frutas, y los llamados Baco enfermo, considerados probablemente sus primeros autorretratos. Los escasos ingresos no les permiten el lujo de modelos para posar para sus composiciones y Caravaggio se basa en el espejo, recostado hacia atrás como un joven Baco coronado de hiedra, con un racimo de uvas en la mano mientras sonreía melancólicamente. Los eruditos dicen que su color terreo y los labios azules pueden ser síntomas de la convalecencia del pintor recientemente fuera del hospital. El Cardenal Francesco Maria Del Monte queda favorablemente impresionado por las pinturas de Caravaggio y no se limita a comprar algunos cuadros, sino que le ofrece hospitalidad en su casa y le da un salario mensual. El encuentro con el cardenal - una figura destacada de la curia, favorito del Gran Duque de Toscana y miembro de la facción pro-francesa - es decisivo para el éxito de Caravaggio, lo que le permite ser conocido por los coleccionistas ricos y refinados de la época. Para  Del Monte el pintor realizó algunas de sus obras maestras, como La buenaventura, Los tramposos, El tocador del laúd hoy en colecciones privadas, El concierto de los jóvenes, la Santa Catalina de Alejandría, San Juan Bautista, un San Francisco en éxtasis. A estas obras hay que añadir el mural que decora una habitación en el casino Boncompagni Ludovisi y las dos obras ubicadas en la Galería Uffizi: El escudo de desfile con la Medusa, donado por el Cardenal Gran Duque de Toscana, Ferdinando de Medici, como también El Baco.

La estancia hasta 1600 con el cardenal Del Monte - refinado apasionado de la música, la ciencia y el arte – le permite a  Caravaggio ampliar sus intereses y para aplicar al estudio de la representación de cuerpos moldeados por la luz y la profundización de las reglas de la perspectiva. Del análisis de las obras de este periodo está claro que Caravaggio está desarrollando su propio estilo, demostrando ser cada vez más impaciente con las convenciones académicas. Su interés por la representación de la realidad le lleva a aceptar la lección de los pintores del norte, e introducir en sus composiciones de naturaleza muerta con jarrones, flores y frutos, representaciones con la misma precisión con la que retrata las figuras humanas. A pesar de que no es correcto decir que la cesta de la fruta es el primer bodegón italiano, lo cierto es que con este trabajo Caravaggio intenta retratar con la misma dignidad del retrato de la figura humana. El nombre de Caravaggio se vuelva bien conocido entre el círculo de los entendidos de arte y los encargos se multiplican.

Entre 1594 y 1599 Caravaggio realiza el Descanso en la huida a Egipto y la Magdalena penitente, para la colección Doria Pamphili. El banquero Costa encargó la Judith que decapita a Holofernes, el San Francisco en éxtasis y la pintura donde Martha regaña a Magdalena por su vanidad. El noble Ciriaco Mattei encarga a Caravaggio un San Juan Bautista. Con estas obras, el artista, como dice Bellori, comienza a "abandonar la oscuridad ', sustituyendo gradualmente los colores claros y brillantes de las primeras pinturas con los partidas de luz y de sombra cada vez más violenta y dramática.